Las 100 mejores películas de la historia del cine ordenadas de peor a mejor


    Cada vez que una publicación realiza una lista de las mejores películas de todos los tiempos, se espera que suscite un debate fructífero y animado entre los cinéfilos, que se lleve a cabo con un educado respeto por las opiniones individuales y la naturaleza del gusto subjetivo. Nosotros sabemos que no es así. Si se va a hablar de cine, y mucho menos de las mejores películas de todos los tiempos, no va a ser un “debate”, sino una discusión a muerte, a gritos y escupiendo saliva. ¿Y sabes qué? Nos parece bien (pero sed educados).

    Las listas están hechas para el desacuerdo apasionado, y pocas formas de arte hacen que los ánimos se caldeen tanto como el cine. Al fin y al cabo, más que cualquier otro medio creativo, el cine tiende a moldear lo que somos como personas. Una película favorita se queda contigo, ocupa espacio en tu corazón y en tu mente hasta el punto de que casi empiezas a sentir que es algo que has vivido más que visto. Por eso sabemos que pocos van a pensar que hemos acertado. Pero aun así teníamos que elaborar esta lista, porque discutir sobre películas es una parte crucial de la cultura cinematográfica. Y si eres un adicto como nosotros a las listas, siempre puedes consultar las 100 mejores películas de animación de la historia o las mejores películas españolas de la historia. Y si eres de los que piensas que los clásicos de Disney son algunas de las mejores películas de la historia (como nosotros), también tenemos las mejores películas de la historia de Disney.

    Hemos incluido de todo, desde éxitos de taquilla que marcan el espíritu de la época hasta clásicos de culto infravalorados, desde comedias tontas hasta terror alucinante, desde sagas policíacas hasta películas de acción. Sin embargo, incluso con todo ese terreno cubierto, estamos seguros de que algo de lo que lea a continuación le hará hervir la sangre. Creemos que eso es bueno. Porque ser un verdadero amante del cine a veces significa odiar las opiniones de los demás. Así que adelante, grítanos. Podemos soportarlo.

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La comedia de Mike Nichols es algo muy raro, una película que realmente define a una generación. Y es que nunca ha habido otra película igual. Dustin Hoffman, con el carisma neurótico que le convertiría en una estrella, interpreta a un universitario despistado que abandona los estudios sin rebelarse del todo, y es esa combinación de hostilidad y pasividad lo que convirtió a Hoffman en un héroe cultural. Su Ben tiene una aventura con la Sra. Robinson de Anne Bancroft, luego acecha a su hija (Katharine Ross) en el campus y rompe su boda gritando como una banshee. Eso sí que es una comedia romántica original. Una que muestra el nuevo espíritu de la pasión antisocial de una manera socialmente aceptable.

Disponible en Filmin

Inspirándose en el gran maestro George A. Romero y su definitoria contracultura La noche de los muertos vivientes, Peele infundió la culpa liberal blanca con un subtexto racial aterrador; es precisamente el tipo de metáfora que solo las películas de terror pueden explotar al máximo. Durante su exhibición en los cines -que se prolongó durante un verano en el que también se produjo la concentración supremacista blanca de Charlottesville- Get Out dio la sensación de ser la única película que hablaba de una división cada vez más profunda.

Disponible en Netflix y Prime Video.

98

‘Bonnie and Clyde’ (1967)

La revolucionaria película de acción de Arthur Penn se rodó con el mismo espíritu de los westerns revisionistas de los años 60 y 70: irreverente, divertida, moralmente disparatada y sin miedo a la sangre y las balas. La película nos traslada a los años 30, durante la legendaria juerga criminal de los amantes Bonnie Parker (Faye Dunaway) y Clyde Barrow (Warren Beatty), que recorren los Estados Unidos de la era de la Depresión robando a manos llenas. ¿Por qué resonó tanto esta película al final de su década? Con la guerra de Vietnam, los disturbios en el centro de las ciudades y Nixon en alza, todas las apuestas estaban echadas. Si a eso le añadimos la pareja de Beatty y Dunaway, tenemos un clásico entre manos: una revolución vestida de época.

Disponible en HBO Max.

97

‘Amenaza en la sombra’ (1973)

Nicolas Roeg ha influido e inspirado a toda una generación de cineastas, desde Danny Boyle hasta Steven Soderbergh, y he aquí por qué. Roeg envuelve el cuento de Daphne du Maurier en un frío glacial, sembrando la idea de fuerzas sobrenaturales en juego en una Venecia invernal a través del puro arte cinematográfico y el poder de su montaje. También encuentra una profunda humanidad en el horror, con los afligidos padres de Julie Christie y Donald Sutherland reconectándose y separándose como restos flotantes en una marea invisible. Su obra maestra sigue siendo un grito primitivo de dolor que te sacude hasta la médula.

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Esta epopeya de múltiples capas sobre la música country, la política y las relaciones es el logro más destacado de Robert Altman. Con sus diálogos superpuestos y su cámara itinerante, Nashville creó un panorama terrenal e idiosincrásico de la vida americana, en el que participaron muchos de los actores más memorables de la década. Los años setenta fueron el periodo más excitante del cine estadounidense, y Nashville -ampliada por su admirable alcance y su energía desenfrenada- es emblemática de esa creatividad.

Disponible en Filmin

95

‘El gabinete del doctor Caligari’ (1920)

Esta obra maestra del expresionismo alemán se estrenó en 1920, mucho antes de que se inventara el aviso de spoiler. Sólo esperamos que los espectadores supieran instintivamente que no debían desvelar el primer final enrevesado del cine y arruinar la emoción de esta fracturada fábula de terror para sus amigos. El director Robert Wiene conjuró algo verdaderamente oscuro y persistente desde sus sombras: Se puede sentir la influencia del Dr. Caligari en todo, desde las películas de Tim Burton hasta Shutter Island.

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94

‘Chantaje en Broadway’ (1957)

Esta novela negra del director Alexander Mackendrick (The Ladykillers) es una de las grandes películas sobre el poder, la influencia y el periodismo impreso en su apogeo de mediados de siglo. Es una historia sórdida y embriagadora que se desarrolla en los reservados de los bares de Manhattan, y que cuenta con las descerebradas interpretaciones de Tony Curtis en el papel de Sidney Falco, un chismoso rastrero, y de Burt Lancaster como J.J. Hunsecker, un columnista corrupto y encumbrado. El diálogo es ágil y delicioso; la moral es tan vacía como Times Square al amanecer.

Disponible en Filmin.

93

‘Secretos y mentiras’ (1996)

Los actores son el alma del famoso proceso del director Mike Leigh, un método muy discutido de talleres, exploración de personajes, improvisación en grupo y escritura colaborativa. A menudo pasan meses antes de que la cámara ruede. Los resultados han sido siempre exquisitos a lo largo de los años, tanto en comedias musicales de época (Topsy-Turvy) como en brutales dramas contemporáneos (Naked). Recomendamos el gran avance crítico de Leigh, con los nerviosos papeles de Brenda Blethyn y Timothy Spall, como el lugar perfecto para empezar a sumergirse en el mundo del cine.

Disponible en Filmin

92

‘Senderos de gloria’ (1957)

La obra maestra humanista de Stanley Kubrick, una película antibelicista, un thriller judicial, un estudio del estatus social de arriba abajo, una crítica religiosa, una sátira absurda y, por último, un desgarrador e inútil alegato a favor de la compasión frente a la destrucción, disecciona todas las facetas delirantes de la psique masculina. Abundan los campos de batalla -psicológicos, emocionales, físicos- que hacen que los sombríos soldados atrincherados de 1916, y los oficiales que confunden la locura con la fama, sigan siendo dolorosamente relevantes.

Disponible en Filmin

91

‘El discreto encanto de la burguesía’ (1972)

El cine siempre ha sido una puerta de entrada al arte radical; Hollywood puede haberlas hecho elegantes y accesibles, pero la experimentación estuvo ahí desde el principio. Luis Buñuel es uno de los más grandes soñadores que ha dado el cine. Sin él, no existiría David Lynch, ni Wong Kar-wai, ni siquiera Alfred Hitchcock. De los muchos largometrajes sísmicos de Buñuel, empiece por esta sátira radical de la lucha de clases, que resume todo lo que hizo bien. Incluso le valió un Oscar.

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Rodada a lo largo de 12 años con un elenco de actores que envejece ante nuestros ojos, el clásico de Richard Linklater es una apuesta artística sin parangón. Aun así, la asombrosa compacidad de Boyhood te pilla desprevenido como ninguna otra película. Adornada por los ritmos sin esfuerzo característicos de Linklater, la película embotella el espíritu fugaz del tiempo, madurando en una meditación reflexiva sobre los momentos ordinarios de la vida.

Disponible en Movistar

89

‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ (1988)

Pedro Almodóvar irrumpió en el gran público con esta gloriosa y colorida comedia de conjunto. Está perfectamente calibrada y es divertida.

Disponible en Netflix

88

‘La batalla de Argel’ (1966)

Los thrillers políticos siguen en deuda con el siempre oportuno tour de force de Gillo Pontecorvo. La batalla de Argel, que narra el levantamiento argelino contra los ocupantes coloniales franceses en la década de 1950, examina con audacia el terrorismo, el racismo e incluso la tortura como medio para obtener información. Proyectada en el Pentágono por su actualidad durante las primeras fases de la guerra de Irak, Argel ha dejado su rebelde legado en numerosas epopeyas de gran carga política, desde Z hasta Munich, de Steven Spielberg.

Disponible para alquilar en Apple TV

87

‘Aguirre, la cólera de Dios’ (1972)

Siempre eclipsada por la hazaña hercúlea que fue Fitzcarraldo, la otra exploración de Werner Herzog de la vanagloria masculina en las zonas más remotas de Sudamérica aplica otra lente fríamente obversativa a la locura maligna de la obsesión fuera de control. Aquí es más fría y codiciosa: El conquistador de Klaus Kinski ansía oro, no cultura. Con un viaje por el río, una inquietante partitura sintetizada de Popul Voh y un puñado de monos burlones, es el Apocalypse Now de Herzog.

Disponible en Filmin

David Fincher es el director más emblemático de su época: creador de vídeos musicales icónicos y de dramas que definen una década como Zodiac y La red social. Pero su transición a Hollywood fue accidentada; era una ciudad que apenas le entendía. El punto de inflexión fue Seven, la primera vez que la temible visión de Fincher llegaba sin cortes. Estilísticamente, la oscura película (rodada por un inspirado Darius Khondji, trabajando con un proceso de retención de nitrato de plata) ha demostrado ser más duradera que incluso El silencio de los corderos, pero es ese golpe en el final lo que todavía sacude al público.

Disponible en HBO Max y Movistar.

La alucinógena biografía de Martin Scorsese sobre el tenaz boxeador Jake LaMotta (Robert De Niro) es una audaz mezcla de agallas neorrealistas y belleza hiperestilizada. Si se pone los guantes, LaMotta está en su elemento; si se los quita, es un sociópata inseguro consumido por los celos sexuales. El monstruoso retrato de De Niro resulta milagrosamente empático, pero lo verdaderamente revolucionario es la técnica de Scorsese: Como un Verdi moderno, el autor italoamericano eleva lo profano a lo operístico.

Disponible en Prime Video

En 1975, la sombría adaptación de Stanley Kubrick de la novela de William Makepeace Thackeray sobre el viaje de un joven irlandés que pasa de ser un exiliado enamorado a un cínico estafador en la Europa del siglo XVIII parecía no estar a la altura de la intensa y descarnada producción del cine contemporáneo. Años después, muchos la consideran la obra maestra de Kubrick, y su enfoque deliberado y altamente estetizado ha influido en todo el mundo, desde Ridley Scott hasta Yorgos Lanthimos.

83

‘Daughters of the Dust’ (1991)

La guionista y directora Julie Dash debería haberse convertido en un éxito del nivel de Ava DuVernay tras su poético debut en el largometraje, un logro de una belleza de otro mundo. Daughters of the Dust, la primera película realizada por una mujer afroamericana que se distribuye en los cines, está impregnada de orgullo, historia y sabiduría matriarcal. Ambientada en 1902, sigue a los gullah, descendientes de esclavos que viven en la costa de Carolina del Sur y que se enfrentan con dolor a la desaparición de sus tradiciones. Una obra muy adelantada a su tiempo, lamenta la tragedia de la esclavitud.

Dejemos que la verdadera obra maestra de John Carpenter -aquella ante la que se inclinan los amantes del terror- ocupe su lugar en el panteón. La Cosa, un proyecto apasionado que fue vapuleado tanto por el público como por la crítica, fue, de hecho, el más raro de los remakes: uno que mejora su fuente. La elegancia de la pantalla panorámica de Carpenter y el espeluznante minimalismo de los sintetizadores (en este caso potenciados por el compositor Ennio Morricone) encontraron un nuevo contrapunto en algunos de los efectos especiales más repugnantes que jamás se hayan presentado a un público que pagaba por ellos. Pero la fría paranoia de la película, sin cortes y de calidad farmacéutica, ha sido su legado más duradero: un modelo de perfección para todos los tiempos posteriores.

Disponible en Filmin

81

‘El conformista’ (1970)

En la Italia de Mussolini, un homosexual reprimido (Jean-Louis Trintignant) se une al partido fascista para pasar desapercibido y ocultar su verdadero yo. En parte sesión de psicoanálisis, en parte colorida fantasía de género, el drama enormemente influyente del director Bernardo Bertolucci viaja a través de diferentes estilos y estéticas. Al igual que Ciudadano Kane de Orson Welles hizo con las películas de los años 20, 30 y principios de los 40, El conformista ofrece un poderoso compendio de técnicas cinematográficas de las épocas que la precedieron.

Disponible en alquiler en Apple TV

80

‘La jungla de cristal’ (1988)

Quitémonos esto de encima: Jungla de Cristal es una película navideña. Hay que aceptarlo. Otra afirmación menos controvertida sobre la superproducción de John McTiernan: es el ideal platónico de una película de acción, y Bruce Willis como el policía neoyorquino sabelotodo John McClane es el héroe de acción más genial de todos los tiempos.

Las secuelas estirarían los límites de su carisma haciéndose más grandes y estúpidas, pero la original alcanza el nivel perfecto de grandeza y descaro, cuando McClane intenta frustrar los planes de un grupo terrorista europeo que ha tomado un rascacielos de Los Ángeles y a su mujer como rehén. Pero la verdadera razón por la que La Jungla de Cristal tiene tanto éxito -aparte de los diálogos, las espectaculares acrobacias y los pequeños detalles, como el hecho de que McClane se vea obligado a luchar contra un grupo de terroristas descalzo- es que McClane tiene en Hans Gruber, interpretado por Alan Rickman, al que podría ser también el mejor villano de una película de acción de todos los tiempos, un pseudorrevolucionario erudito.

Disponible en Disney Plus

79

‘Sucedió una noche’ (1934)

Ojalá Hollywood las hiciera como antes: comedias románticas que conquistaban los Oscar. La hilarante historia de amor y odio a primera vista de Frank Capra sigue siendo una de las películas más rápidas jamás rodadas. La heredera mimada de Claudette Colbert y el reportero oportunista de Clark Gable se lanzan a la carretera y se pelean para llegar a un final feliz, sin barreras de clase. Esta inteligente y sugestivamente sexy screwball pre-Code no sólo dio forma a todas las comedias románticas posteriores, sino que sigue aventajando a la mayoría de ellas.

Disponible en Filmin

78

‘This Is Spinal Tap’ (1984)

Bateristas que explotan, amplificadores que van a 11, Stonehenges diminutos: Esta parodia de documental rock -rockumental, si se quiere- ha influido enormemente en el cine, la comedia cómica y, posiblemente, en la propia industria musical.

77

‘El Halcón Maltés’ (1941)

La opinión generalizada es que la era del cine negro se inició realmente durante los duros años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, lo que convierte a la adaptación de John Huston de la novela policíaca de Dashiell Hammett en una auténtica pionera. Es un modelo para la serie de películas de cine negro que vendrían después, con un detective hastiado pero noble como el Sam Spade de Humphrey Bogart, una mujer fatal (Mary Astor), un par de villanos sospechosos (Sydney Greenstreet, Peter Lorre) y una trama laberíntica que te arrastra de un lado a otro.

Enormemente cara para su época, Metrópolis es Blade Runner, Terminator y La guerra de las galaxias todo en uno (por no hablar de 50 años antes). La visión muda de Fritz Lang de una sociedad totalitaria sigue asombrando por sus impresionantes paisajes urbanos, sus innovadores efectos especiales y un robot hechizantemente malvado (Brigitte Helm). Es la ciencia ficción más ambiciosa y sobrecogedora, el no tan modesto comienzo de la seriedad del género en la pantalla.

Disponible en Filmin

75

‘Con faldas y a loco’ (1959)

Tony Curtis y Jack Lemmon hacen uno de los dobles más encantadores del cine como una pareja de músicos que huyen de la mafia, pero Marilyn Monroe se roba la película como la coqueta, jadeante y totalmente adorable Sugar. Nadie es perfecto, pero esta película se acerca bastante a la perfección.

Disponible en Filmin

Citable, entrañable y repleta de momentos creativos, Annie Hall es una de las comedias románticas más revolucionarias. Esta película neoyorquina por excelencia inició a innumerables espectadores en el placer de los diálogos ampulosos, y ha sido elogiada durante mucho tiempo tanto por su accesibilidad como por su conmovedora sensibilidad, un equilibrio que pocas películas han logrado desde entonces de forma tan memorable.

Disponible en Filmin

73

‘Una mujer bajo la influencia’ (1974)

En estos grandes ejercicios se tiende a dar prioridad al director, a la cámara o al guion. Pero también hay que respetar al intérprete: En una década de brillantes interpretaciones, ningún papel fue tan estimulante como el de Gena Rowlands en esta asombrosa mirada a una mente desgarrada. La Mabel de Rowlands, un ama de casa y madre de Los Ángeles a la que constantemente se le pide que se calme, es la apoteosis del cine improvisado de John Cassavetes; nuestra preocupación por ella nunca decae mientras se tambalea a través de insoportables escenas de crisis.

Disponible en Filmin

72

‘Killer of Sheep’ (1977)

Rodada en 16 milímetros y con una luz imprecisa, la tesis de licenciatura de Charles Burnett en la UCLA une viñetas aparentemente mundanas para formar un convincente mosaico de la vida afroamericana de finales de los setenta. Un hito del cine negro independiente, con una gran banda sonora que va desde el blues y la música clásica hasta Paul Robeson. Poética, compasiva, airada, irónica…

Toy Story, la película que dio el pistoletazo de salida a Pixar y que sigue siendo un referente absoluto de la animación por ordenador, reinventó lo que podía ser una película familiar. A primera vista, se trata de una historia sencilla sobre un par de rivales en miniatura que se miden (Woody iba a ser mucho más malo), antes de caer en peligro a manos del genio de la pirotecnia Sid. Pero también trata de los celos, las dinámicas de poder y la relación con nuestra propia infancia. Con ella, Pixar llevó la narrativa al infinito y mucho más allá.

Disponible en Disney+

70

‘El resplandor’ (1980)

En nuestra lista no faltan películas de Stanley Kubrick (ni deberían faltar). Sin embargo, resulta chocante recordar que El resplandor -tan impregnada de los temas favoritos del director, como la obsesión laberíntica y la banalidad del mal- fue considerada en su día una obra menor. Desde entonces, ha llegado a representar la explosión más concentrada del dominio total de Kubrick; es el dios de la película, haciendo Steadicam en las esquinas y haciendo que el público se dé cuenta de que nació para redefinir el terror. Aunque no podamos aceptar las descabelladas teorías de los fans sobre cómo Kubrick falsificó supuestamente el alunizaje del Apolo, admitiremos de buen grado que esta película contiene multitudes cósmicas.

Disponible en HBO Max

La obra maestra del guionista y director Michael Mann reunió por primera vez en la pantalla a dos de los mejores actores, Robert De Niro y Al Pacino, uno como un estoico maestro del crimen y el otro como un policía obsesivo decidido a acabar con él. Al entrelazar sus historias, Mann presenta un duelo de perspectivas con el mismo peso, y nuestra lealtad como espectadores cambia constantemente.

Disponible en Disney+

68

‘Masacre (Ven y mira)’ (1985)

La influencia de la sui generis película bélica de Elem Klimov trasciende el género de una forma que ni siquiera Salvar al Soldado Ryan de Steven Spielberg puede igualar. En esencia, se trata de una historia de madurez que sigue a un joven bielorruso (Aleksei Kravchenko) a través de un horror indescriptible mientras los escuadrones de la muerte nazis provocan un apocalipsis en su región. Junto a sus verdades históricas, la gramática y el lenguaje visual de la película -hay pasajes que parecen un viaje de ácido ultraviolento- son lo que realmente la eleva. Como una obra maestra de Hieronymus Bosch, las imágenes que aquí se muestran nunca podrán dejar de verse.

Disponible en Filmin

67

‘La matanza de Texas’ (1974)

El título sigue siendo una excelente pieza de marketing, que sugiere algo mucho más gordo de lo que se obtiene. Eso no quiere decir que la obra maestra de Tobe Hooper no lo consiga. Una visión sucia del horror capturada durante un verano tejano palpablemente sudoroso y apestoso.

Disponible en Filmin.

Hay innumerables películas sobre relaciones románticas, pero pocas exploran el tema de forma más creativa que Michel Gondry, con guión de Charlie Kaufman. La historia de ciencia-ficción de las dos mitades de una pareja separada que se somete a un procedimiento de borrado de memoria da muchos giros sorprendentes y conmovedores; la impecable combinación de imágenes auténticamente extravagantes e indagación filosófica de la película se ha convertido en un referente del cine independiente moderno.

65

‘El maquinista de La General’ (1926)

Chico encuentra tren. El chico pierde el tren. El chico persigue a las fuerzas de la Unión que robaron el tren, lo recupera y sale disparado en dirección contraria. Puede que no parezca una historia de amor al uso, pero eso es exactamente lo que es la comedia muda de Buster Keaton: una majestuosa demostración de fotografía trucada, valentía y sincronización cómica, todo ello sostenido por un corazón genuino.

Disponible en Prime Video.

64

‘Todos los hombres del presidente’ (1976)

El director Alan J. Pakula, el actor y productor Robert Redford y el guionista William Goldman crearon un docudrama recién salido de la imprenta sobre la irrupción en el Watergate que crepita con tensión viva. Se trata de un trabajo de investigación al pie de la letra en un mundo analógico -pensemos en teléfonos de disco, máquinas de escribir eléctricas, notas manuscritas en blocs de notas, ediciones con bolígrafo rojo y fotocopiadoras Xerox- y una clase magistral para conseguir que los diálogos de una película sean absolutamente fascinantes. Es una piedra de toque esencial para cualquier thriller político desde entonces.

Disponible en Filmin

63

‘El proyecto de la bruja de Blair’ (1999)

En 1997, un grupo de actores anónimos se adentraron en los bosques de Maryland con algunas cámaras portátiles, un guion poco preciso y un presupuesto que no cubriría ni el catering de la mayoría de las películas de esta lista, y consiguieron un éxito de taquilla. Quizá ninguna película de la historia haya conseguido más con menos que el clásico de terror atmosférico de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Sin embargo, durante años, El proyecto de la bruja de Blair se consideró más un triunfo del marketing que otra cosa.

Fue impulsada por una campaña publicitaria que jugaba con la veracidad de las supuestas “imágenes encontradas”: ¿desapareció realmente un equipo de documentalistas aficionados en el bosque mientras investigaban un mito local? La mera curiosidad llevó al público a las salas en masa, y no era raro salir de una proyección y oír murmullos confusos en el vestíbulo. Más de veinte años después y una sobresaturación de imitadores menores, es más fácil apreciarla como una clase magistral de cine de bajo presupuesto. Sinceramente, si hay una escena más aterradora en las últimas dos décadas que cuando las manos de esos niños imprimen su huella en la tienda del equipo en mitad de la noche, seguramente costó muchísimo más hacerla.

Disponible en Filmin

62

‘Sopa de ganso’ (1933)

Las sátiras políticas mordaces no tienen por qué ser largas y complicadas: Esta obra maestra de 68 minutos es perfectamente concisa y expone los absurdos de la política internacional con un ingenio ágil y un slapstick impecable. A menudo considerada como la más divertida de la obra de los Hermanos Marx, la película es también -tristemente- atemporal, ya que su retrato de una dictadura belicista sigue siendo relevante hoy en día.

61

‘Brokeback Mountain’ (2005)

El trágico romance gay de Ang Lee es la nominada que resiste el paso del tiempo. Brokeback Mountain es un hito en el cine de arte y ensayo LGBTQ, con una fotografía digna de admiración de Rodrigo Prieto y un melancólico Heath Ledger (cuya interpretación trastornó la percepción social de la masculinidad). Reimaginó el género del Oeste y se convirtió en parte del espíritu de la época.

Disponible en Netflix.

60

‘Apocalypse Now’ (1979)

El clásico de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam demuestra que la guerra es maravillosa, cuando el asesino Martin Sheen se dirige río arriba para matar al coronel renegado Marlon Brando. En el camino, hay surf, una emocionante incursión en helicóptero, olor a napalm, tigres y conejitas de Playboy, hasta que Sheen se baja del barco y entra en otra zona de locura -¿o de genialidad?

Disponible en Prime Video y HBO Max

59

‘Mad Max: Fury Road’ (2015)

A la vez secuela y reinicio, la cuarta entrega de la serie de epopeyas postapocalípticas del director George Miller fusiona acrobacias que desafían a la muerte con modernos efectos especiales para ofrecernos una de las mejores películas de acción de todos los tiempos. Se trata de un aluvión incesante de persecuciones, cada una de ellas más espectacularmente elaborada que la anterior, pero todo ello combinado con la sensibilidad surrealista y poética de Miller, que la lleva al reino del arte.

Disponible en Prime Video y HBO Max.

58

‘Under the Skin’ (2013)

Hipnótica, hechizante, sugerente, inquietante, espeluznante: Sea cual sea su reacción, no olvidará la sorprendente adaptación de Jonathan Glazer de la novela de Michel Faber sobre la mujer que cae a la tierra. Scarlett Johansson interpreta a la perfección a una alienígena con forma humana que vaga por Glasgow intentando ligar con hombres en su furgoneta. La película se rodó al estilo guerrilla en las calles de la ciudad escocesa, así que no te pierdas las imágenes de transeúntes realmente desconcertados.

Una de las primeras adaptaciones de Drácula (aunque no autorizada) sigue siendo la más aterradora. La interpretación insectívora de Max Schreck como el sanguinario Conde Orlok sigue siendo tan fascinante y repulsiva como hace casi un siglo. Las inquietantes imágenes de un mundo crepuscular del director expresionista alemán F.W. Murnau establecieron el escalofriante estándar para generaciones de pesadillas cinematográficas.

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56

‘Roma, ciudad abierta’ (1945)

Pocos movimientos cinematográficos pueden presumir de tener la tasa de éxitos del neorrealismo italiano, una ola posterior a la Segunda Guerra Mundial dedicada a la lucha de la clase obrera que parece comprender sólo obras maestras. Robert Rossellini fue responsable de algunas de ellas, como Alemania Año Cero y este drama anterior de represión y resistencia, que cuenta no con una, sino con dos de las escenas de muerte más memorables de todo el cine.

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55

‘Las amargas lágrimas de Petra von Kant’ (1972)

La fecundidad creativa de Rainer Werner Fassbinder, muerto de sobredosis a los 37 años tras haber completado más de 40 largometrajes, merece ser consagrada por una nueva generación. Esta película es posiblemente la más aguda y psicológicamente compleja de su carrera; sin duda, la más perversa. Hay mucho que amar en este enfrentamiento de Fassbinder, que va más allá del espectáculo de dos duelos de fashionistas y se convierte en una profunda exploración del envejecimiento y la obsolescencia.

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Ambientada en 2019, la visión de Ridley Scott de un futuro distópico es una de las películas de ciencia ficción más elegantes de todos los tiempos. Con una estética inspirada en el cine negro y una inquietante partitura de sintetizador de Vangelis (que influyó enormemente en Prince), Blade Runner es un icono no solo por su aspecto, que marcó una época, sino también por su profundo examen filosófico de lo que significa ser humano. Muchos han intentado imitar el extraño ambiente de la película, pero estas calles bañadas por la lluvia y estas vistas sórdidas poseen una amenaza singular.

Disponible en HBO Max

Uno de esos filmes de época -sólo hay unos pocos- que se sitúa en la línea divisoria entre el cine mudo y la era sonora, pero que aprovecha las virtudes de ambos, el thriller de asesinatos en serie de Fritz Lang arde con una profunda oscuridad visual. El tema de la película es la vigilancia: Debemos proteger a nuestros hijos, pero ¿quién protegerá a la sociedad de sí misma? M es como un sonar que escucha a una Alemania prenazi a punto de despojarse de su humanidad.

52

‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’ (1964)

Gran parte del genio de Stanley Kubrick era conceptual, y en ésta se plantea su pregunta más audaz: ¿Y si el mundo llegara a su fin y fuera divertidísimo? La aniquilación nuclear fue un tema en el que Kubrick se sumergió, leyendo prácticamente todos los textos desclasificados. Su conclusión fue sombría: No habría victoria. A través de la comedia más negra (la única forma de entrar en materia) y de un Peter Sellers desquiciado interpretando tres papeles distintos, Kubrick dejó claro su punto de vista.

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51

‘Al final de la escapada’ (1960)

El sísmico debut en la dirección del crítico de cine Jean-Luc Godard es una valiente deconstrucción del cine de gángsters que también reinventó el propio cine. Presenta saltos cubistas, un inquieto trabajo de cámara en mano, rodajes en exteriores, un ritmo excéntrico (la pieza central de 24 minutos son dos amantes hablando en un dormitorio) y comentarios autoconscientes sobre la pintura, la poesía, la cultura pop, la literatura y el cine. Una aventura sexy entre Jean-Paul Belmondo, ladrón de poca monta, y Jean Seberg, gamberra de la Sorbona, se transforma en una meditación existencial extrañamente conmovedora. Es pulp fiction, pero alquímicamente profunda.

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50

‘Tiempos modernos’ (1936)

Este clásico mudo de inventiva implacable apenas necesita un empujón añadido. Los gags llegan casi tan rápido como uno puede procesarlos, con las típicas bufonadas de Chaplin conjuradas aquí a partir de escenarios que parecen hechos a propósito para acabar en desastre. La visión de Chaplin literalmente alimentándose a sí mismo en una enorme máquina ofrece una sátira aún germana sobre el avance tecnológico.

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49

‘El acorazado Potemkin’ (1925)

Esta emocionante película muda rusa fue concebida al calor de la propaganda soviética y encargada por el aún joven gobierno comunista para rendir homenaje a un acontecimiento de 20 años antes. Habla de una revuelta de marineros que se transforma en un levantamiento obrero en toda regla en la ciudad de Odessa; la película es famosa sobre todo por una impresionante secuencia -muy copiada y parodiada desde entonces- de un cochecito de bebé cayendo por una enorme escalinata. Pero El acorazado Potemkin está llena de imágenes poderosas e ideas embriagadoras, y su director, Sergei Eisenstein, es considerado con razón uno de los pioneros del primer lenguaje cinematográfico, cuya influencia se ha dejado sentir a lo largo de las décadas.

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48

‘La noche de los muertos vivientes’ (1968)

La primera película de terror sin presupuesto que se convirtió en una auténtica tarjeta de visita para su director, el seminal festival de terror de George A. Romero comienza con un único zombi en un cementerio y se convierte en un ejército de muertos vivientes que ataca una casa aislada. La mayoría de los clichés del terror moderno empiezan aquí. Pero nada la supera en estilo, ingenio mordaz, trasfondo racial y político, y en darte un susto de muerte, todo ello 50 años antes que las películas de ahora.

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47

‘El viaje de Chihiro’ (2003)

La joya de la corona del estudio de animación japonés Studio Ghibli es un glorioso cuento para dormir repleto de duendecillos de hollín, monstruos y fantasmas, una película capaz de sacar el niño que llevamos dentro hasta los más adultos y hastiados. Una vuelta de tuerca a Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (con la misma invitación a dejar volar la imaginación), lleva casi dos décadas introduciendo al público en su mundo de ensueño y cada año parece crecer más, un tributo a su arte dibujado a mano. Curiosidades: Sigue siendo la película japonesa más taquillera de la historia, justo por delante de Titanic.

Disponible en Netflix

Cápsula del tiempo de un Nueva York desaparecido y retrato de una masculinidad retorcida que aún escuece, Taxi Driver se sitúa en la cima del cine de autor, vital y descarnado, que definió el Nuevo Hollywood de los años setenta. La visión del vigilantismo de Martin Scorsese está llena de un ambiente incómodo, y el guion de Paul Schrader sondea profundidades filosóficas que cobran vida gracias a la inolvidable interpretación de Robert De Niro.

Disponible en Movistar

45

‘Lost in Translation’ (2003)

Los mundos chocan en la perfecta historia de Sofia Coppola sobre una estrella de cine (Bill Murray) y una recién casada (Scarlett Johansson) en Tokio. Coppola aborda a cada uno de sus personajes con una calidez y una sensibilidad que desborda de la pantalla y garantiza que “Brass in Pocket” seguirá siendo una de las favoritas de los karaokes de todo el mundo (peluca rosa opcional). ¿Por qué la película ha perdurado tan vívidamente en los corazones de los espectadores? Quizá porque capta esos momentos gloriosamente melancólicos que todos hemos vivido y que parecen desaparecer en un instante, pero que perduran para siempre.

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44

‘El séptimo sello’ (1957)

El gran tratado de Ingmar Bergman sobre la mortalidad no es una película cualquiera. A pesar de haberse convertido en sinónimo de “difícil declaración artística”, no todo son temas de peso, paisajes plagados de plagas y partidas de ajedrez con la Parca. A medida que el caballero medieval de Max von Sydow recorre la tierra como testigo del apocalipsis, un montón de momentos de afirmación de la vida aligeran la carga. Por supuesto, también es una obra de profundo pensamiento filosófico, así que te sentirás más inteligente por haberla visto.

El director Roman Polanski y el guionista Robert Towne tomaron un modesto y sórdido guion negro y lo convirtieron en una meditación sobre los horrores de la historia americana y el capitalismo. La película también cuenta con un reparto perfecto, con un Jack Nicholson en la cima de su carrera como cínico detective privado, una Faye Dunaway seductora como mujer fatal con un pasado tan oscuro que su revelación final sigue conmocionando, y el legendario John Huston como el monstruoso millonario en el centro de todo.

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42

‘Los paraguas de Cherburgo’ (1964)

La melancolía de la gloriosa partitura de Michel Legrand inunda los corazones de los espectadores desde el primer momento de este musical no tradicional de Jacques Demy. Los paraguas de Cherburgo, una de las películas más románticas jamás rodadas sobre el dolor y la pureza del primer amor, desafió a los musicales más ligeros de Hollywood de la época (como Sonrisas y lágrimas y My Fair Lady) y lanzó a la sensacional Catherine Deneuve al estrellato internacional. Más tarde, sería una gran influencia para La La Land.

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41

‘Andrei Rublev’ (1966)

Lúgubre, desafiante e hipnotizante, el épico retrato del director soviético Andrei Tarkovsky sobre la vida y la época de uno de los pintores de iconos medievales más famosos de Rusia pone en primer plano cualidades como el paisaje y el ambiente por encima de la historia y los personajes. En última instancia, es la historia del intento de un hombre de superar su crisis de fe en un mundo que parece tener un suministro interminable de violencia y conflicto, y es un testimonio notable de la persistencia de los artistas que trabajan bajo regímenes opresivos.

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40

‘El intendente Sansho’ (1954)

Al cine japonés no le han faltado pesos pesados, pero el director Kenji Mizoguchi quizá merezca un lugar preferente. Su mayor rasgo fue una profunda e inquebrantable empatía por las mujeres, abatidas por el patriarcado pero desgarradoras en su sufrimiento. Estas mujeres ocupan un lugar central, una historia feudal de disolución familiar que te destrozará. No se disculpe por sus lágrimas; los demás también llorarán.

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Dato curioso: Psicosis es la primera película en la que aparece la cisterna de un retrete. Afortunadamente, el thriller de Alfred Hitchcock también abrió nuevos caminos en otros aspectos, desde el asesinato de su heroína en el primer tercio hasta la inmersión en una mente enloquecida más profunda de lo que Hollywood había conseguido hasta entonces. Olvídese de las travesuras en la ducha, el final es espeluznante.

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38

‘Lawrence de Arabia’ (1962)

Las nociones de masculinidad, sexualidad conflictiva e identidad tribal (o falta de ella) hierven bajo la superficie de la epopeya histórica de David Lean como el magma. Se filtran a través de las grietas de su descripción del líder árabe T. E. Lawrence (Peter O’Toole), situando sus enormes decorados dentro de la brújula megalómana de su héroe y dando profundidad a sus momentos íntimos en los que el coste de todo queda al descubierto. En medio de sus amplios paisajes árabes, capturados por las famosas cámaras del director de fotografía Freddie Young, es el paisaje interior del propio Lawrence el que este gran biopic traza de forma tan memorable.

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37

‘El show de Truman’ (1998)

La profunda declaración de Peter Weir sobre el modo en que los medios de comunicación nos clavan sus garras. Es una parábola televisiva en la que un héroe (Jim Carrey) recupera su vida. También puede considerarse una película más airada, que arremete tanto contra las cadenas de televisión que las controlan (representadas por Christof, el mesías de Ed Harris) como contra nosotros, el público televidente, por convertir la vida de los demás en un concurso de televisión.

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¿Cuál es la mejor parte de Pulp Fiction? La película de Quentin Tarantino se gana la curiosidad, pero reclama el estatus de todos los tiempos con su hechizante trama acronológica, diálogos increíblemente citables y una comprensión adecuada del sistema métrico. Pulp Fiction marcó a su generación tan profundamente como lo hizo Star Wars antes que ella; es una floritura de la actitud indie de los 90 que todavía se siente fresca a pesar de una legión de imitadores charlatanes.

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35

‘Cuentos de Tokio’ (1951)

Simplemente hilado, el drama doméstico de Yasujiro Ozu es pequeño pero perfectamente formado. Chishu Ryu y Chieko Higashiyama están dignos y conmovedores como padres que visitan a sus hijos y nietos, sólo para ser desatendidos. La obra maestra de Ozu, interpretada con delicadeza y bellamente rodada (a menudo con la cámara suspendida a poca distancia del suelo), es la película familiar a la que se le ha dado grandeza e intimidad.

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Si todo lo que hizo fue lanzar una franquicia centrada en la feroz superviviente de Sigourney Weaver (todavía entre las heroínas de acción más duras del cine), el clásico de ciencia-horror claustrofóbico y de ritmo deliberado de Ridley Scott todavía estaría cimentado en el canon cinematográfico. Pero Alien es una obra maestra por su subversiva política de género (es una película que deja embarazados a los hombres), su impactante pieza central, un estallido en el pecho, y la extrañamente elegante criatura de doble mandíbula del diseñador industrial H.R. Giger, una pesadillesca visión de la hostilidad y una de las piezas más inolvidables de la artesanía pura del cine.

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33

‘Hasta que llegó su hora’ (1968)

La película de culto por excelencia, el spaghetti western de Leone, está ambientada en una América civilizada -aunque rodada principalmente en Roma y España-, pero el lugar real es una frontera abstracta de lo viejo frente a lo nuevo, de héroes más grandes que la vida que se desvanecen en la memoria. Es un triunfo del comentario político soterrado y del cine épico más puro. La mirada gélida de Henry Fonda, las guitarras de perdición del compositor Ennio Morricone y el monumental Charles Bronson como último pistolero son sólo tres de un millón de razones para ensillar el caballo.

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32

‘La pasión de Juana de Arco’ (1928)

El relato clásico de Carl Theodor Dreyer sobre el juicio de Juana de Arco es austero y maximalista a la vez. El director se muestra comedido con la ambientación y el alcance; la película se centra en gran medida en las idas y venidas entre Juana y sus inquisidores. Pero los intensos primeros planos dan rienda suelta a la maravillosa expresividad de Maria Falconetti en el papel de la condenada Doncella de Orleans. Realizada al final de la era del cine mudo, marcó un hito en la interpretación cinematográfica.

31

‘Star Wars: una nueva esperanza’ (1977)

El cine palomitero se disparó después de que George Lucas presentara su western intergaláctico, una embriagadora ópera espacial con dosis de mitificación al estilo Joseph Campbell que anulaba las complejidades morales del Hollywood de los setenta. Este pastiche de cine postmoderno hace referencia a una serie de clásicos del género, desde Metrópolis y El triunfo de la voluntad hasta las películas de acción de samuráis de Kurosawa, los seriales de Flash Gordon y thrillers de la Segunda Guerra Mundial como Los cazadores de presas. La búsqueda de Luke Skywalker para rescatar a una princesa elevó instantáneamente la felicidad de las películas de serie B a sagas de franquicia de miles de millones de dólares.

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30

‘Los 400 golpes’ (1959)

La primera de una serie autobiográfica de cinco películas, Los 400 golpes, de François Truffaut, es la historia de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), atrapado en una vida familiar infeliz pero que encuentra consuelo en hacer el tonto, fumar y salir con sus amigos, y es la mejor evocación cinematográfica de una infancia problemática. Además, es el manual perfecto para iniciar a los niños en el cine subtitulado.

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El deliciosamente oscuro y elegante género del cine negro no existiría sin Perdición. Esta película lo tiene todo: escenas retrospectivas, asesinatos, sombras y cigarrillos en abundancia y, por supuesto, una enrevesada mujer fatal (Barbara Stanwyck). Billy Wilder, uno de los grandes directores de la época dorada de Hollywood, destacó en una gran variedad de géneros cinematográficos, pero esta joya del cine negro es su obra más influyente.

La inmortal superproducción de Steven Spielberg no necesita presciencia política para seguir siendo relevante: es una película sobre un enorme tiburón que se come a la gente. Gracias en gran parte a la propia película, ese es un miedo irracional que el público nunca deja de tener. El ritmo magistral, los sustos que te atrapan en todo momento y ese tercer acto tan explosivo, es lo que realmente hace que Tiburón sea siempre aterradora: los tiburones dan miedo, pero es mucho más probable que la codicia y la incompetencia acaben contigo.

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No es exagerado decir que Rashomon, de Akira Kurosawa, redefinió la narrativa cinematográfica. Con su estructura narrativa cambiante y poco fiable -en la que cuatro personas relatan de forma distinta un asesinato-, la película es extraordinariamente atrevida y sirve como recordatorio de cómo la propia forma puede engañarnos. Los flashbacks nunca se han utilizado de forma tan emocionante; casi 70 años después de su estreno, los cineastas siguen intentando alcanzar sus logros.

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26

‘Haz lo que debas’ (1989)

El retrato de Spike Lee de un barrio de Brooklyn durante un sofocante día de verano fue muy controvertido en su momento: Los críticos criticaron a Lee por su descripción de un levantamiento tras una matanza policial. La película no ha perdido nada de su relevancia o fuerza; si acaso, ha ganado algo. Pero la realización es lo que la convierte en un clásico, sobre todo la energía, el ingenio y el estilo con que Lee presenta este microcosmos y las fuerzas sociales en juego en su interior.

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La francesa Claire Denis, cada vez más un gigante del cine mundial, sigue confundiendo las expectativas, haciendo películas en sintonía con sus propios ritmos y preocupaciones temáticas (colonialismo, poder, atracción reprimida). Ésta, su celebrada ópera prima, es una especie de vuelta de tuerca al Billy Budd de Herman Melville, pero eso es como decir que Tiburón es una vuelta de tuerca a Moby Dick. El genio está en la técnica de Denis, que se manifiesta en imágenes de una precisión emocional demoledora: siluetas nervudas de soldados, pruebas abstractas de voluntad en el desierto y, lo que es más deslumbrante, la euforia de romper a bailar, cortesía de un Denis Lavant genial.

La crudeza psicológica de Ingmar Bergman tiene la potencia suficiente para convertir a los simples aficionados al cine en adictos furiosos; Persona es el material duro, un psicodrama de doble cara que parece rodado el pasado fin de semana con dos de las mejores amigas de Ingy (Bibi Andersson y Liv Ullmann, ambas reveladoras). Ya sólo por su intimidad y economía, la película parece un anticipo de la década que se avecina. Bergman, convaleciente de un grave ataque de neumonía, escribió el guion en el hospital.

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23

‘Centauros del desierto’

Mostrando cierto crecimiento personal, así como oficio cinematográfico, John Ford se resarce de su aparición en la virulentamente racista El nacimiento de una nación, de DW Griffith, con este western histórico. Se trata de una historia en la que el odio da paso lentamente a la compasión y en la que los mitos tóxicos de la vieja frontera se desvanecen a través de la figura fanfarrona pero destrozada de Ethan Edwards (John Wayne). Edwards no es un tipo de sombrero blanco a lo Shane, sino un amargado veterano de guerra que caza a su propia sobrina (Natalie Wood) con la intención de matarla por el delito de haberse juntado con los comanches. El plano de Edwards enmarcado en esa puerta es uno de los más famosos -y más imitados- del cine.

22

‘Los zapatos rojos’ (1948)

Se podrían incluir casi todas las películas de Powell y Pressburger en esta lista; así de estelar fue la producción del dúo dinámico. Pero para nosotros, y para el superfan Martin Scorsese, este deslumbrante romance ambientado en un ballet es el primero entre iguales. Es una expresión perfecta del impulso creador de los artistas, ambientada en un exuberante mundo en Technicolor rodado por el gran Jack Cardiff. Scorsese la describe como “la película que suena en mi corazón”.

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Llamar a esta película la cima de la screwball comedy puede ser demasiado restrictivo: Entre las muchas películas de alto nivel dirigidas por el cineasta Howard Hawks, Luna nueva es la más romántica y verborreica (las constantes bromas parecen juegos preliminares). Aunque el lacónico Hawks restaría importancia a su propio protofeminismo a lo largo de su vida, la película es también la más liberada; mujeres fuertes que tenían trabajo y salían con cazadores de noticias. Lo más maravilloso de esta comedia es que celebra la regla del ingenio: El que tiene la lengua más afilada gana. Si le gustan las palabras, le encantará esta película.

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20

‘La gran ilusión’ (1937)

Nunca es mal momento para volver a ver una de las grandes obras maestras de Jean Renoir (junto con Las reglas del juego), pero esta época actual de populistas, nacionalistas y agitadores chillones parece especialmente buena. Ambientada en un campo de prisioneros de guerra alemán durante la Primera Guerra Mundial, la película pone al descubierto las diferencias de clase y nacionalidad entre un grupo de prisioneros franceses y sus captores alemanes, y llega a la conclusión de que lo único que realmente importa es la nobleza del hombre hacia sus semejantes.

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Considerada como una de las mejores películas jamás realizadas, y sin duda una de las más brillantes realizadas por Jean Renoir, La regla del juego es una comedia que se permite criticar a la alta sociedad francesa. En ella un rico aristócrata decide abandonar a su amante para conservar el amor de su esposa, cortejada al mismo tiempo por su confidente y un aviador. Intrigas amorosas de patrones y sirvientes se mezclarán desembocando en tragedia.

Aunque el negativo original fue destruido durante la Segunda Guerra Mundial, se pudo completar una reconstrucción de la película.

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Yasujirō Ozu concibió este enternecedor relato sobre la soledad de los ancianos que vio la luz en 1953. En él se ofrece una reflexión sobre el egoísmo y la compasión que encontramos de quien menos podemos esperar. Desgraciadamente, esta historia tiene una temática de total actualidad, dada la cantidad de ancianos que viven solos en el presente o que no reciben visitas en residencias, tal como ha denotado la reciente pandemia. Cuentos de Tokio es también considerada una obra maestra.

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17

‘Luces de la ciudad’ (1931)

La visión total de Charlie Chaplin sigue siendo asombrosa: Escribió, dirigió, produjo, editó y protagonizó sus propias películas, a las que también puso música con una orquesta. Y cuando las cámaras rodaban, captaban a un icono hecho a sí mismo con una audiencia mundial. Sin embargo, Luces de la ciudad era otra cosa. Chaplin, reticente a renunciar a las técnicas visuales que había dominado, insistió en hacer de su nueva comedia una película muda, incluso cuando los espectadores estaban cada vez más sedientos de sonido.

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16

‘El caballero oscuro’ (2008)

Hay un nuevo Batman en Gotham, en la tenebrosa forma de The Batman de Matt Reeves, y éste es el listón que tiene que superar. La película intermedia de la trilogía del murciélago de Christopher Nolan es un caso de estudio casi impecable de cómo hacer una epopeya de superhéroes sofisticada para el público moderno, y el “casi” se debe únicamente a que el acto final intenta, de forma refrescante, meter demasiadas ideas y mucha aritmética moral. El Joker de Heath Ledger, por su parte, redefine la villanía en la gran pantalla: Ya no basta con ser siniestro, ahora también hace falta un truco festivo.

15

‘Ladron de bicicletas’ (1948)

La obra maestra neorrealista de Vittorio de Sica está ambientada en un mundo en el que poseer una bicicleta es la clave para trabajar, pero también podría estar ambientada en otro en el que la ausencia de coche, o de guarderías asequibles, o de un hogar, o de un número de la seguridad social, son barreras insuperables en el esfuerzo constante por llevar comida a la mesa. Eso es lo que la convierte simultáneamente en una película para la Italia de la posguerra y para cualquier lugar de hoy en día. Eso es lo que la convierte en un hito tan poderoso y duradero del cine humanista.

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14

‘Mulholland Drive’ (2001)

No muchas películas son conocidas por igual por una escena de sexo lésbico genuinamente erótica. Por otra parte, estamos hablando de David Lynch: toda su carrera se ha dedicado a hacer cosas que la mayoría de los cineastas ni siquiera se plantearían. Pero Mulholland Drive es donde la frase “lynchiano” se ganó su definición. Lo que al principio parece un filme negro relativamente sencillo sobre una hermosa amnésica (Laura Harring) que intenta desentrañar el misterio de su propia identidad, se sumerge en el tercer acto en un alucinante mundo de ensueño, deshaciendo todo lo anterior. Este giro de 180 grados frustró a algunos críticos, que esperaban una película que se explicara por sí misma al final. Los fans sabían que no era así, y para quienes estén dispuestos a aceptar la película como una experiencia, más que como un enigma por resolver, es un regalo que revela nuevos placeres (y pesadillas) con cada visionado.

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13

‘Indiana Jones: en busca del arca perdida’

En busca del arca perdida celebra lo que el cine puede hacer con más alegría que ninguna otra película. La película más divertida de Steven Spielberg, intrincadamente diseñada como homenaje al oficio, lo tiene todo: rocas rodando, una pelea en un bar, una heroína (Karen Allen) que sabe aguantar el alcohol y perder los nervios, un mono traicionero, un villano bebedor de champán (Paul Freeman), serpientes, la mayor persecución en camión del cine y un final sobrenatural en el que explotan cabezas. Y todo rematado por el perfecto Indiana Jones de Harrison Ford, un modelo de heroísmo reticente pero lleno de recursos (mírale la cara cuando dispara al espadachín). En resumen, es la perfección cinematográfica.

12

‘Con la muerte en los talones’ (1959)

No hay otro thriller tan elegante, ligero y sexy como la sedosa cabriola de Hitchcock. Roger O. Thornhill , el hombre de negocios de Cary Grant, es Don Draper con sentido del humor, que tanto necesita cuando contrae un caso grave. Los decorados, los villanos, la mujer fatal de Eva Marie Saint, los títulos de crédito de Saul Bass, las pistas musicales de Bernard Herrmann… de algún modo, la película consigue ser incluso más que la suma de sus gloriosas partes.

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11

‘Uno de los nuestros’ (1990)

“Desde que tengo uso de razón, siempre quise ser un gángster”. La frase inicial de Ray Liotta es el equivalente en el cine policíaco a “Érase una vez…“, y lo que sigue es la versión de Martin Scorsese de un cuento de hadas: la historia de un chico de Brooklyn con los ojos brillantes que hace realidad su sueño de juventud y al final resulta ser un gángster. Basada en la vida real del mafioso Henry Hill, nació a la sombra de “El Padrino”, pero con el paso de los años, la cuestión de cuál es más influyente se convierte sobre todo en una cuestión generacional. Sin duda, la primera es más fácil de volver a ver, debido a su ritmo vertiginoso: sus dos horas y media (y tres décadas) pasan volando. Y para ser una película sobre violentos criminales profesionales, también es extrañamente cercana.

Mientras que Coppola se adentra en las paredes del uno por ciento del crimen organizado, los gángsters de Scorsese son más de cuello azul. Y resulta que trabajar para la mafia no es muy diferente de cualquier otro trabajo: te pasas 30 años dejándote la piel para ascender, sólo para acabar boca abajo sobre una alfombra ensangrentada en alguna casa hortera de los suburbios.

Disponible en HBO Max

10

‘Cantando bajo la lluvia’ (1952)

Olvídese de The Artist, y saboree en su lugar el brío puro y serotoninizante del glorioso epitafio de MGM a la era muda del cine. Su trío de bailarines -Donald O’Connor, la brillante debutante Debbie Reynolds y el codirector y cabeza de cartel Gene Kelly- son una triple amenaza, clavando las canciones estelares, las intrincadas y físicamente exigentes rutinas de baile y vendiendo todos los ritmos cómicos con consumada habilidad. Pero también hay que elogiar a Betty Comden y Adolph Green, cuyo efervescente guion proporciona el ritmo al que se mueve el espectáculo, y a Jessica Hagen, cuya interpretación de la estrella del cine mudo Lina Lamont, a menudo pasada por alto, es el contrapunto cómico y triste de la película. Sin olvidar al codirector Stanley Donen, siempre dispuesto a dejar que sus estrellas se llevaran el mérito, pero que merece una parte igual por un musical que nunca se equivoca.

Disponible en HBO Max.

9

‘Pozos de ambición’ (2007)

De camino a convertirse en el cineasta más importante de los últimos 20 años, Paul Thomas Anderson ha pasado de ser un cronista scorsesiano de la vida libertina de Los Ángeles a un duro investigador del hombre de confianza americano. El punto de inflexión fue Pozos de ambición, una epopeya sobre cierto tipo de buscavidas: el barón del petróleo y el prospector. Daniel Plainview es, a fin de cuentas, un Daniel Day-Lewis terrorífico que se beberá tu batido. La lúgubre epopeya de Anderson es la verdadera heredera del profundo cinismo de Chinatown. Como deja claro, Anderson no ha perdido su sentido del humor, ni mucho menos. Pero hubo un momento en el que necesitó ponerse serio, y es este.

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¿Puede una película ser realmente un clásico instantáneo? Cualquiera que haya visto Deseando amar cuando se estrenó en 2000 puede haber dicho que sí. Nada más empezar esta historia de amor, uno siente que está en manos de un maestro. Wong Kar-wai nos guía por las estrechas calles y escaleras del Hong Kong de los años 60 y nos introduce en la vida de dos vecinos (Maggie Cheung y Tony Leung) que descubren que sus cónyuges tienen una aventura. Mientras imaginan -y en parte recrean- cómo podrían estar comportándose sus parejas, se enamoran el uno del otro al tiempo que siguen decididos a respetar sus votos matrimoniales. Cargada de nostalgia, la película se beneficia de nada menos que tres directores de fotografía, que juntos crean una intensa sensación de intimidad, mientras que las impecables interpretaciones tiemblan de tensión sexual. Esto es cine.

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7

‘Los 7 Samuráis’ (1954)

Son los 207 minutos de cine más fáciles de ver. A partir de la base más simple -una comunidad agrícola pobre que reúne sus recursos para contratar a un samurái que les proteja de los brutales bandidos que roban sus cosechas- Akira Kurosawa monta una epopeya finamente trazada, por momentos absorbente, divertida y emocionante. Por supuesto, las secuencias de acción calientan la sangre -el enfrentamiento final bajo la lluvia es inolvidable-, pero en realidad se trata de un estudio de las fortalezas y debilidades humanas. Toshiro Mifune está soberbio como samurái autoproclamado medio loco, pero es el líder Yoda de Takashi Shimura quien da a la película su centro emocional.

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La película de Federico Fellini, rodada en pleno auge del cine italiano, fue un éxito de taquilla que definió el glamour y la cultura del famoseo para todo el planeta. También convirtió en estrella a Marcello Mastroianni, que aquí interpreta a un periodista de cotilleos atrapado en el frenético y desenfrenado mundo de la noche romana. Irónicamente, el retrato que hace la película de este ambiente como insípido y hedonista que corroe el alma parece haber pasado desapercibido para muchos espectadores. Tal vez porque Fellini filma todo con tanto brío cinematográfico e ingenio que a menudo es difícil no dejarse atrapar por los delirantes acontecimientos de la pantalla. Gran parte de cómo vemos la fama se remonta a esta película; incluso nos dio la palabra paparazzi.

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5

‘Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975)

La vida de Jeanne Dielman, una joven viuda con un hijo, sigue un orden inmutable: mientras el muchacho está en la escuela, ella se ocupa de las tareas domésticas por la mañana y ejerce la prostitución por la tarde.

Esa es la historia que propuso la belga Chantal Akerman en 1975 y que en este 2022 ha conseguido el milagroso sorpaso a Vértigo y Ciudadano Kane, las cintas que han ocupado el primer puesto como mejores películas de la historia en los últimos 70 años. Solo por eso, ya merece el tercer puesto de esta lista. Habrá que esperar al avance de las próximas décadas para comprobar si consigue mantenerse.

4

‘Vértigo (De entre los muertos)’ (1958)

Una de las obras culmen del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, fue la única película capaz de desbancar, en 2012, a Ciudadano Kane, considerada durante nada menos que 50 años como mejor película de la historia. En Vértigo conocemos a un protagonista inocente y un misterio que le despierta inquietantes incógnitas. Estas fueron las bases de uno de los giros de guion más sorprendentes del cine.

La crítica no ha tenido demasiadas dudas entre los dos primeros puestos en siete décadas aunque, curiosamente, en este 2022 la famosa lista de la revista Sight & Sound ha colocado por sorpresa el filme Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de la belga Chantal Akerman, en el codiciado primer lugar.

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Desde los listillos de Goodfellas hasta Los Soprano, todas las dinastías del crimen que vinieron después de El Padrino son descendientes de los Corleone: La obra magna de Francis Ford Coppola es el patriarca definitivo del género mafioso. Una monumental frase inicial (“Creo en América”) pone en marcha la adaptación operística de Mario Puzo, antes de que la epopeya de Coppola se transforme en un escalofriante desmantelamiento del sueño americano. La historia, empapada de corrupción, sigue a una poderosa familia de inmigrantes que lidia con los paradójicos valores del reinado y la religión; esas contradicciones morales se cristalizan en una legendaria secuencia de bautismo, magníficamente editada en paralelo al asesinato de cuatro mafiosos rivales. Con innumerables detalles icónicos -la cabeza cortada de un caballo, la voz sibilante de Marlon Brando, el pegadizo vals de Nino Rota-, la autoridad de El Padrino perdura.

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2

‘2002: una odisea en el espacio’ (1868)

Una de las mejores películas de la historia comenzó con el encuentro de dos mentes brillantes: Stanley Kubrick y el vidente de la ciencia ficción Arthur C. Clarke. “Tengo entendido que es un chiflado que vive en un árbol en algún lugar de la India“, comentó Kubrick cuando surgió el nombre de Clarke -junto con los de Isaac Asimov, Robert A. Heinlein y Ray Bradbury- como posible escritor para su proyectada epopeya de ciencia ficción. Clarke vivía en Ceilán (no en la India, ni en un árbol), pero ambos se conocieron, congeniaron y forjaron una historia de progreso tecnológico y desastres impregnada de humanidad, en toda su brillantez, debilidad, valentía y loca ambición.

Un público cautivado por su llamativa secuencia de la Puerta de las Estrellas y sus efectos visuales pioneros, la adoptó como película favorita. De no ser por ellos, 2001 podría haber caído en el olvido, pero es difícil imaginar que se hubiera quedado ahí. La aterradora visión clínica del futuro de Kubrick -con inteligencia artificial y todo- sigue pareciendo profética más de 50 años después.

Disponible en HBO Max

1

‘Ciudadano Kane’ (1941)

Cinco décadas siendo considerada la mejor película de la historia justifican este primer puesto para Ciudadano Kane. El relato es redondo, cine negro, drama y thriller se encuentran en este filme que retrata con maestría el periodismo de principios del siglo XX de la mano de un misterio. Pero lo que esconde el filme es una crítica voraz a la figura de William Randolph Hearst, traspasado a la ficción a través de Charles Foster Kane, interpretado por Orson Welles, también director y guionista de la cinta junto a Herman J. Mankiewicz. Una obra maestra cuyo making of se convirtió también en película en Mank (David Fincher, 2020).

Disponible en Movistar+, Amazon Prime Video y FlixOlé.


Experta en cine y series y aficionada a la música en directo y los libros.

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